副刊
挑戰「完美的世界」——專訪樂器發明家吳澤霖
【明報專訊】「樂器設計為什麼難以再創新？」
一般人或許沒有質疑過，為何小提琴、鋼琴等等原聲樂器，都是長成一個樣子。但看着一堆熟悉的樂器，歷史學家Karin Bijsterveld和樂手Marten Schulp提出這個相當有趣的問題。尤其在古典樂世界，雖然製造商喜歡以引用新技術或材料自居，但就如倫敦市政廳大學新樂器中心（Centre for New Musical Instruments, London Guildhall University）學者所言：「人們普遍認為於改進設計方面幾乎無能為力，能做的，樂器製造商於過去幾個世紀都做了。」學者得出結論，是歷史的壓力、文化符號等等，造成這個看似無法再突破的「完美世界」；想挑戰它的，也就是企圖「闖進完美的世界」（breaking into a world of perfection），顛覆這個約定俗成的系統。
在這個意義底下，香港藝術家吳澤霖（Chaklam）就是這麼的一個挑戰者。外界多傾向用「聲音藝術家」來形容澤霖，但其實也只捕捉到他其中一個面向。澤霖是結他手，藍調彈得相當出色；當年會到知名livehouse Hidden Agenda幫忙修理樂器音響，是在獨立音樂圈內默默付出的一分子；早期會維修結他，其後更以Fretsmith名義推出本地製造的電結他，不少媒體亦有報道。但這些都未見澤霖徹底發揮他的想像力與創造力，設計系畢業的他開始融合設計、聲音與匠人精神，製作種種古怪發明。開始引起我關注的，是與同樣兼具音樂人與設計師身分的陳濬人（Adonian）合作的Sound of Rebound（2021）。這個結合鋼片琴與乒乓波枱的公共裝置，一定程度上highlight了澤霖往後作品的方向：把既有的樂器（一個音準良好的鋼片琴），放置於一個本來無關的界面（interface）裏頭思考；最後的成果，是要能夠玩的（playable）。
6月結束的The Art of Transformation展覽，主辦單位DesignTrust邀請獲得「信言設計大使」計劃資助的澤霖展出3件作品。其中的「餐具聲學改良研發」計劃（Utensil Acoustic Enhancement Development，下簡稱UAED），更是企圖將自身對聲音、美學與設計技術的開創性，帶進日常生活之中的研發項目，充滿想像空間。作為集中研究樂器發展、聲音裝置與公共領域的音樂學學者，筆者參觀之餘，還趁機用樂器發明的角度，挑挑創作人的腦袋。
■答：吳澤霖 ■問：黃津珏
問：我們如何容易些理解「把樂器與界面的關係重新配置」的創作意念？
答：譬如說風鈴。鈴本身可以是個樂器，但把鈴掛起，風就成為一個有趣的界面，有風飄過的時候，就會有些很悅耳的聲音。我本身是做樂器設計，但有另外一個面向，就是會思考如何將生活上不同的東西變得更加harmonised（協調）。例如Sound of Rebound就是想將乒乓波敲打枱面的聲音變得更悅耳。我發現生活裏面，其實很多時都是少了一個在聲音層面去探索如何變得更協調，或者更令人愉快的想像。
問：所以就有了把鋼片琴成為餐具的想法？
答：其實最大的啟發，是調音用的音叉（tuning fork）。 覺得這個名字很好，音樂與吃飯用的，都叫做叉。DesignTrust在這個項目裏面，容許我去做這方面的研發。實在是要長期的反覆試驗，所以有這個資助，我就可以探討一下有什麼可能性。尤其是香港人，平時我們去茶餐廳吃飯、飲茶的時候，你會聽到很多餐具碰撞的聲音。我不覺得它特別嘈，我也可能習慣了去飲茶的時候聽到的聲音，但同時我會想，why not？所以就有把那種不協調的聲音令它更加悅耳的方向去想。有個樂手朋友聽到之後說，哇為什麼你這麼戇居？我就解釋，現代社會使用的車胎，是直到近幾十年才重新開發成這個樣子。橡膠車胎的坑紋可以抓着地面，但聲音很大。工程師就重新設計過那些坑紋，打散了最吵的頻率，令生活好過一點。NBA用的網，於聲學上也是有進步過的，現時採用的物料，使到投籃時那個「swoosh」的聲音會直接令你覺得特別爽。所以這個概念，其實擺在任何東西都可以。對我來說，聲音的協調會有種舒暢感，我就想將這些這麼不經意的吃飯動作當做成界面，研究金屬互相敲打或碰到碟上的聲音，拿在手裏與放下時發聲又有何分別。如果叉的前端、柄的位置，與整體的泛音都能調好，那麼一隻叉就是一個和弦，一套3件的餐具就有3個和弦了。
問：如何在聲音上令人輕鬆愉快，好像是一樣愈來愈受關注的事，就如全球興起的頌缽（singing bowl）。可否說說用頌缽做作品WAVE的概念？
答：WAVE是一個用「極端」想像，去思考人類追求身心靈健康的作品。極端在這裏的意思不是走到最遠，比較是一個在設定上倒過來的想像。好像我會想，人類由要走到Yoga Studio去聽一個頌缽師傅的聲音治療班，如果發展到另一個「極端」，就是自己家中就有一個機械式的頌缽裝置，一個人性的概念與機械性的概念的兩極；一個用人手玩，一停下來就沒有聲音，到另一個理論上可以無限不間斷的聲音。藝術表達之外，設計上也是在挑戰「極端」，就是如何在最小的空間放置7隻水晶頌缽。後來再加上MIDI控制器，可以控制每隻頌缽轉動的速度，也可以敲打。對我來說，聲音的展現上，這個作品是我最喜歡的。
問：好像身心靈健康的愛好者，不少都有一種抗拒新科技、擁抱自然的傾向，WAVE有沒有受到批評？
答：把兩件看似沒有關係的事情放置在一起，是個挑戰，不一定是對的，可以是錯的。我想問的，就是一個常見於聲音治療的原始聲音體，與自動化結合的問題。而這兩個都是這個年代常見的關鍵字，不過同時出現於兩個極端，我就想將這個矛盾的感覺造出來。第一次展出，是在K11 Musea，到目前為止的反應是沒有人很不喜歡。一推出的時候，作品還有不少瑕疵，試過有聲音治療師傅很客氣，說意念上很有趣，可以再探索，只是提供一些技術上的意見，例如人手就完全沒有機械的聲音等等。這個執著我是理解的，彈結他彈得厲害的話，也是會有種執著。有次舉辦了一個收費的工作坊，意外地很多人參與，大家躺在地上聽，感覺上大家是期待這件事情，多過抗拒。一定程度上，現在流行的冥想Apps，都是類似在挑戰這個界線，即是本身可能抗拒新科技，但以Apps形式出現，又好像令很多人受惠，這樣就分解了兩邊的負面印象。當然有人可以去爭論，用人手玩頌缽的行為，都是一種冥想，但或者就是有人懶，這一部分都不想自己動手，所以先寧願花錢請人做。
問：見過你不同的發明，都強調是可以讓參與者去玩的。如果不懂得玩頌缽，現在按MIDI控制就會發聲；The Club（即是可以玩彈珠機的「Arcade Club」與有DJ的「Dance Club」所結合）也是，只要拉一拉彈珠機的桿，就像在玩實驗音樂。可不可以介紹一下The Club，也解釋下「玩」對你創作的重要性？
答：The Club的概念就是用不能預測的彈珠，觸發一些聲音樣本，即時錄取到DJ唱盤裝置內。那每玩一局彈珠機，都有一個不同的節奏樣本，可能用唱盤播放、變速、倒播。
對我來說，玩是一個條件，讓不能預計的結果出現。如果你每次都能預計，就不算是玩了。或者，玩並不是完全不能預計，但那個預計是有限的，不會完全在你控制之下。當你有不能預計的東西，就會有不能預計的聲音與音樂出現。我經常都說harness（運用）這個字，因為這些是很容易流走的東西，你是要看到這些元素，然後把它變成另外一些東西。這個與音樂的訓練是相違背的，那個訓練，歸根究柢是要讓人跟樂器合一。但一定程度上，愈接近那個境界，就會愈悶，愈純熟，愈不會玩到你腦裏想像以外的東西。除非有意外，但樂器訓練就是要減少意外。有趣的是，一些最重要的音樂與聲音的發明，其實都是意外，好像有樂隊巡演時喇叭掉了出來，把報紙塞進去時，就誕生了最早期的結他拆聲。我做作品的時候，會盡量不想限制這些意外。
後記
約10年前，音樂家/發明家Görkem Şen彈奏自己發明的樂器Yaybahar的影片上載到網上，結果大受歡迎，如今在YouTube已累積近200萬次瀏覽。坦白說，Yaybahar運用長彈簧做回聲的原理，其實是相當普遍的「發明」。一直覺得，澤霖在樂器發明的領域，創意與創造力都有高水準。期望這個個性比較低調、不喜歡社交媒體宣傳的香港發明家，會受到更多人關注。
